Me encontré, gracias al Tumblr de Matt Fraction (autor de Casanova), con Noirvember, una iniciativa que se remonta al 2010 para ver una película de film noir (literalmente, «cine negro») cada día de Noviembre. Lo cual me pareció genial como excusa para ver muchas, muchas películas noir, además de ser un poco más digno en el corto plazo que Movember.
La idea es ver los grandes clásicos de los 40’s. Los Estados Unidos de la post-depresión y la autocensura de la época son, en parte, el caldo de cultivo donde nace la corriente, aún antes de que desarrollara suficiente consciencia de sí misma para ponerse un nombre (el nombre se acuña recién en 1946). Sin embargo, quiero abordar el cine de detectives, crimen, antihéroes e instatisfacción general y anticlimática desde el punto de vista de la parodia. Seguir leyendo →
Regresando de ver The Perks of Being a Wallflower, casi con seguridad una de las películas que mejor han sabido conducirme emocionalmente en el año. Notoria por ser prácticamente el primer protagónico de Emma Watson desde Harry Potter, la película de Steve Chbosky (uno de los creadores de Jericho, una serie que lleva meses en mi lista de pendientes, y autor de la novela original del mismo nombre) cuenta la historia de Charlie (Logan Lerman), un chico solitario de primer año de preparatoria que mejora significativamente su vida gracias a los hermanastros Patrick (Ezra Miller) y Sam (Watson).
Si tuviera que encontrarle un referente, la llamaría la Almost Famous de esta década: Ambas cuentan historias de adolescentes con talento para escribir pero introvertidos en familias más o menos normales que son conducidos a una siguiente etapa en su vida por personajes a primera vista deslumbrantes, conducidas a través de estilos de música característicos de la generación (punto clave para conectar con la audiencia, en el caso de AF más 70’s Rock que el 80’s/Indie Rock de TPOBAW). Estos guías a la adultez mantienen también formas como el maestro benévolo (Philip Seymour Hoffman en Almost y Paul Rudd en Perks), la anti-heroína (Kate Hudson/Emma Watson), y algún paralelo que no termino de definir entre Billy Crudup y Ezra Miller. Seguir leyendo →
Regresando de ver la película, tengo que concordar con la reseña en que la película abunda en eye-candy, tiene una banda sonora enérgica y espectacular, y logra un efecto de inmersión en el espectador no tanto por los efectos especiales, sino por el manejo de recursos de lenguaje cinematográfico más sutiles, como el laaargo silencio inicial de la protagonista, el empleo de ciertos leit-motifs para las transiciones entre «niveles», que junto al sistema de misiones conforman la estructura de videojuego del film, y la misma incertidumbre en el espectador sobre qué capa de la realidad de Babydoll estamos observando en relación a la más «real» (tiene algo de participativo, a pesar de todo). Si Sucker Punch puede de alguna manera involucrar a un público de gamers, un público atractivo, que está acostumbrado a invertir montos respetables en entretenimiento, sin las resistencias que tuvo Scott Pilgrim y con cuatro activos más que efectivos en sus protagonistas (porque no hay forma de que te agrade Vanessa Hudgens).
Cuando el X-Men – Origins: Wolverine de Gavin Hood apareció en las salas de cine alrededor del mundo, la primera impresión público (de más o menos la mitad de los que se quedaron después de los créditos, al menos) fue, aparte de que el villano «final» no estaba a la altura del nombre y representaba una mutilación del personaje, que todos queríamos ver una película de Deadpool. Ya habíamos probado lo más básico, y ahora queríamos comernos la torta entera.
Mercenario amoral. Hablador compulsivo. Especialista en armas de filo y de fuego. Sentido del humor perverso, inoportuno, ácido. Quebrantador de la regla escénica de la cuarta pared. Ideal para un actor con las características cómicas y atléticas del próximo Linterna Verde, Ryan Reynolds. Claro, salvo por todo eso de haber sido un sujeto de pruebas con un factor autorregenerativo exagerado que cubre su cuerpo completamente de cicatrices. Pero es el papucho de Reynolds, así que lo más probable es que no veamos mucho del cara-de-pizza Wade Wilson.
La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas ha declarado ilegal y penado con multas millonarias cubrir el rostro de Ryan Reynolds. Estamos presentando una moción para hacer lo mismo con el busto de Scarlett Johansson.100% producto derivativo
Si XMO: Wolverine trataba del héroe que lucha contra su propia naturaleza y en el camino se ve envuelto en la red de intrigas y manipulaciones que busca ensamblar el arma viviente perfecta, el spin-off de Deadpool debería, siguiendo la lógica más básica indispensable, empalmar con el destino del pobre de Wade Wilson, que acaba decapitado y enterrado entre los escombros de la isla de William Stryker y el Proyecto Arma X. Aprendiendo de los errores de Elektra (¿alguien sabía, al fin y al cabo de qué se trataba Elektra en realidad?), la 20th Century Fox, que conserva los derechos de las películas relacionadas a los X-Men, desde el Profesor X hasta Doop, se ha asegurado de mantener a gente que guarda cierta familiaridad con el personaje y su historia para preparar el guión de este spin-off de spin-off.
Las Reglas de Zombieland
Los cerebros elegidos, después del voceo de David S. Goyer, son Rhett Reese y Paul Wernick, de quienes hemos podido ver el último año Zombieland. Y Zombieland es una gran película, llena de violencia, humor negro y elementos de cultura popular. Incluso comparte la ocasional ruptura de la cuarta pared y un buen manejo de la exposición sobre la marcha, indispensable para aclarar las complejidades que hacen a ‘Pool. Tampoco sé qué tan involucrados habrán estado, pero las Reglas de Zombieland fueron un golazo por donde las veas. Las habladurías de comienzos de año indicaban que el mismo Reynolds habría estado en contacto con los escritores, compartiendo ideas. Esto fue antes de que el trabajo de producción de Linterna arrancara.
Y ayer empezó a correr el rumor de que Fox había ofrecido la dirección de la película a Robert Rodríguez, quien actualmente debería estar terminando o haber terminado Machete y trabajar actualmente en Predators y una película más de Spy Kids. La noticia debe tomarse con escepticismo, dado que Rodríguez ya había rechazado ofertas como el remake de El Planeta de los Simios (aunque a muchos otros directores tampoco les ha convencido el proyecto), y a lo copada que tiene la agenda. Además, los X-Films desde X-Men 3 se han visto determinados por decisiones de directores de última hora. Matthew Vaugh estaba previsto en algún momento para hacerse cargo de X-Men 3 y XMO: Wolverine, y ahora se le vocea para X-Men: First Class. Lo mismo con Joss Whedon o Bryan Singer, por decir algunos nombres.
¡Si hasta se viste con los colores oficiales de DP!
Pero sólo por un momento imaginemos la posibilidad de una película escrita por Reese y Wernick, hecha por Rob Rod y protagonizada por Reynolds. Lo último que vi de Rodríguez fue Planet Terror, y me pareció una gran película, a pesar de que el género no era de lejos mi favorito. Pero la forma en que se manejó una situación catastrófica con escenas de acción alucinantes, capaz de meternos en planteamientos que en cualquier otro contexto no hubieran sido siquiera considerados para rodaje, y además esos detallitos de absurdo para darle color (la moto de Wray, ¡»EL WRAY»!). Si alguien tiene la magia para sostener la suspensión de la incredulidad al nivel necesario para hacer de un Deadpool una estoneada maestra y, dependiendo de variables del entorno, hacer que un personaje poco conocido supere el nivel de culto al que podría verse reducida, es Robert Rodríguez.
Planet Terror. También teníamos una propuesta que involucraba a Scarlett y ametralladoras, no pegó.
Dejo una idea: lo que Jon Favreau logró con Iron Man puede repetirse, y un estudio que maneja una franquicia tan importante como X-Men debe aplicar esa fórmula de respeto por el material de base, trabajando meticulosamente la historia y no permitir que se opaquen entre sí. Apenas han empezado a explotar el mundo mutante, y como fanboy quiero ver más.
Y salió Kick-Ass, la adaptación dirigida por Matthew Vaugh (Stardust) de la miniserie semi-independiente del bombástico Mark Millar (Ultimates 1 y 2, The Authority). Siguiendo el empuje de Wanted (que tuvo récords de taquilla dentro de la categoría R), Millar se embarcó en la producción de la misma serie que estaba escribiendo para el sello Icon, una línea de Marvel para los trabajos de autor de sus escritores, como Brian M. Bendis, Ed Brubaker y Matt Fraction. Vaugh, por su parte, salía de tener su propio éxito adaptando el Stardust de Neil Gaiman, además de haber estado a punto de hacerse cargo de X-Men 3 (que cayó en manos de Brett Ratner, y ya sabemos cómo quedó eso).
Como contenido a secas, Kick-Ass es mucho más Millar que Vaughn, pensado en cómo lograr que el medio comiquero saque de sus casillas al público común y corriente, llevándolo a niveles de blockbuster hollywoodense y asociándose siempre a artistas que espectaculares como John Romita Jr., Steve McNiven y Bryan Hitch, capaces de materializar las alucinadas del escritor. En este caso se trata de la historia de Dave Lizewski, un adolescente demasiado normal a quien no se le ocurre otra manera de sobresalri que hacerse un «superhéroe». A falta de poderes, decide ponerse un wetsuit, armarse con un par de cachiporras, y salir a pie a luchar con delincuentes comunes por las calles. Durante los próximos 100 minutos, más o menos, no le va bien.
La película responde perfectamente a la ultraviolencia realista que busca Millar, y hasta se podría considerar una caricatura a los géneros superheróico y de acción, en algún lugar entre las películas de The Naked Gun y Punisher: War Zone. Estamos hablando del mundo real, donde un muchacho se dedica a enfrentarse a la gente más peligrosa, y sin embargo no deja de tener un efecto casi cómico, desde un sentido del humor bastante oscuro. Es como ver un bloque de bloopers, pero quedándote después de la risa a ver que el otro todavía no se puede parar, y todo contextualizado en aspiraciones heróicas. La película es bastante fiel al material original en ese sentido, muestra el efecto de una vida violenta sobre seres humanos comunes y corrientes, sin llegar a ser un calco fiel de estilo o argumento ni perder el rumbo.
Vaugh diferencia muy bien los recursos y piezas que funcionan en 8 historietas de 22 páginas a intervalos mensuales de lo que cabe efectivamente en 117 minutos de película. Por momentos el orden de ciertas revelaciones no se corresponde al del cómic, pero todo termina encajando orgánicamente en el orden fílmico. Donde perdimos puntos de caracterización en la relación entre Lizewski y su padre, o cómo evolucionan y decaen las cosas entre Kick-Ass y Red Mist, ganamos el desarrollo de la historia paralela de Hit-Girl y Big Daddy. Donde deberíamos tener un giro sorpresivo o una página doble de Romita Jr., viene un dato adelantado o una entrada distinta que mantiene la atención sin opacar el gran final (así que, no lanzallamas, pero no lo extrañarán).
Sabiendo que lo que queremos es ultraviolencia, secuencias de lucha sin barreras, acción rápida e impresionante, Vaugh se contiene lo suficiente, y aunque puede darnos un Terminator, un Rambo o un Kill Bill (aunque la Hit-Girl de Chloe Moretz tiene sus buenos momentos entre Beatrix Kiddo y Go-Go Yubari), no porque no pudiera sino porque la historia no permite tanta virtuosidad marcial para el pobre de Aaron Johnson. Es necesario este planteamiento historia-impacto-historia-repetir para darnos a entender que la cosas ocurren en nuestro mundo, y las consecuencias están ahí, a pesar de que los tipos andan por ahí vestidos en látex colorido y hay una niña por ahí rebanando miembros de mafiosos a katanazos y soportando balazos a quemarropa.
Nicholas Cage cumple su sueño de ser un superhéroe y hacerlo creíble, con un Big Daddy que comparte su entusiasmo por la vida de aventurero enmascarado, como una fijación insana y gracias a dios no tuvo que actuar ningún super poder. Tuvimos suficiente de eso con Ghost Rider. En cambio aquí es un Batman combinado con Punisher, con barba falsa e inagotables recursos cuando se pone el disfraz, y un papá bobalicón, con bigote de cepillo, lentes y malos chistes cuando se viste de civil. Y es por eso que Vaughn le da a esta historia más peso. Sólo Kick-Ass hubiera sido muy adolescente: chico-conoce-chica, chica-ignora-chico, chico-hace-locuras, chica-se-fija-en-chico, chico-paga-por-sus-locuras, final feliz. En mi opinión, es el cruce, y el nuevo balance, de las cuatro historias principales lo que hace que esta película, como historia, tenga una personalidad propia y supere la simplicidad de la propuesta. Y además, cabe en las dos horas.
A fin de cuentas, Kick-Ass es una película más compleja de lo que aparenta. Tiene no sólo el potencial, más bien la intención de ofender suceptibilidades, muy al estilo shock-value (Roger Ebert sabe muy bien de lo que hablo), y una vez superado es una crítica al culto a la violencia con la que se resuelven las cosas en los cómics, a la vez que lo homenajea y se ceba en el derramamiento de sangre. No pretende ser lo que Watchmen o Sin City debieron ser. No le corresponde. Esta es una bestia diferente y lo mejor es tratar de no encasillarla, porque tiene de todo y por montones.
El Blog Action Day (BAD., eso pasa por no sentarse un rato a pensar en los acrónimos) es una iniciativa para juntar a todos los bloggers del mundo a favor de una causa específica, generalmente a favor del medio ambiente o del planeta en que vivimos, lo cual es un tema con la suficiente proporción de inevitabilidad e identificación como para que todos tengamos algo que decir al respecto.
Pues bien, como no tengo mucho tiempo ahora para hacer un ensayo a conciencia sobre lo que es para mí el cambio climático, les ofrezco las primeras cinco películas que podríamos relacionar con este fenómeno, y a lo mejor podamos sacar algo útil:
5. La Era de Hielo (la 1 y la 2, la 3 es sólo el mismo grupo de bichos haciendo pavadas): Porque es el cambio climático que nos prácticamente dio origen al mundo que conocemos, donde los mamíferos son la forma de vida dominante, representada en orden de inteligencia por los hombres, los delfines y los ratones. Y también nos enseñó que en esos tiempos los individuos podían vivir lo suficiente para ver la Tierra congelarse y descongelarse. Si una ardilla puede, no veo por qué nosotros no.
4. Dune (la película, aunque la miniserie es mejor): Porque gracias a la obra de Herbert sabemos que un planeta sabe cómo salir adelante a pesar de que nosotros no tenemos ni idea de qué nos toca hacer para resolver las cosas, y es más, muchas veces las cosas, sólo por ser irregulares, no significa que sean catastróficas. No podemos esperar que un mundo que sabemos que ha cambiado desde siempre deje de cambiar sólo porque afecta a la maquinaria capitalista y la oligarquía política y económica. Al final la naturaleza misma sabrá como traérselos abajo.
3. Inteligencia Artificial (o «I see robot people»): Porque aún cuando caduquemos, después de haber alcanzado la capacidad para producir robots que se puedan hacer pasar por nuestros hijos, sin mencionar aGigolo Joe (what-do-you-know?), el mejor personaje de Jude Law junto a su imitación de Michael Caine en Alfie, los niños serán capaces de soñar. O por lo menos los niños robots que sobrevivan en cápsulas tiempo después de que los océanos se eleven y sean rescatados por extraterrestres que parecen hechos de UHU solidificado.
4. El Planeta de los Simios (la primera, hagamos como que lo de Burton sólo era un homónimo): Porque cuando dejemos de ser la especie dominante, nuevas criaturas tomarán nuestro lugar. Criaturas que no perdieron el vello corporal dentro de su proceso evolutivo y se ven muy simpáticas con un chaleco y un gorrito rojo (esa escena no quedó en el corte final, pobre Dr. Zaius). Y cuando alguien pregunte «Hey, ¿te acuerdas de la especie dominante antes de nosotros, esos que ahora guardamos en jaulas y vendemos como mascotas?», otro responderá: «Claro, es la misma especie que mandó a hacer estatuas de cobre que sólo sirven para freír pescado las noches de tormenta». Ahh, good times.
5. Mad Max 2: Road Warrior y Mad Max 3: Beyond Thunderdome: Porque un cambio en la estructura de poder y en la disponibilidad de los recursos traerá una era de incomparable inventiva y actividades deportivas únicas que cambiarían la manera de ver la vida. Porque cuando puedes morir en cualquier momento por un tío con corte mohicano que maneja un automóvil tuneado a punta de poleas (o en su defecto un tipo llamado Blaster), tratas de sacarle todo el provecho a la vida mientras puedas. El tema de la película en realidad es crisis energética, pero no es como que fueran a ser las cosas muy distintas con una crisis ecológica o meteorológica.
Mirémoslo así. A finales de los noventas la Marvel Comics, a pesar de haber logrado superar el medio impreso y penetrado a otros soportes como la televisión y casi-casi el cine, entró en una bancarrota desastrosa por culpa de un terrible manejo de marketing y distribución, de un mercado especulativo que no se compensaba con la calidad del producto, que en sí mismo eran historias cada vez más insufribles (véanse Onslaughty Heroes Reborn), además de otras jugadas turbias de sus directivos.
Eran todas brillositas, pero se escanean malazo. Y ojo, que esta es una de la buena época de las variantes metálicas.
Hoy en día Marvel Entertainment (que ya no es sólo Comics) se encuentra en un punto muy saludable de su ciclo de vida. Al punto de que, una vez más, está penetrando con éxito en los rubros de animación y cine, además de las regalías de tooodos los productos derivados que tengan a sus héroes encima. En televisión Wolverine and the X-Men, Spectacular Spider-Man y Iron Man: Armored Adventures son series bien rankeadas, y el público de mayor edad tiene medios y largos para DVD, como Ultimate Avengers, Hulk Vs. y Doctor Strange. Ni hablar de las películas.
Sin embargo, en plena crisis económica su departamento de ventas empezó a tantear qué tanto podían elevar sus precios sin afectar las ventas ni el contenido. El descontento en los Estados Unidos ha sido generalizado, pero los títulos marvelitas se han mantenido entre, y han encabezado, los más vendidos de cada mes los últimos años. Inclusive, y sabiamente, la editorial se ha mantenido apartada de la práctica de los megaeventos de verano, de los crossovers con 40, 50, 80 tie-ins, no necesarios para captar la historia central, pero que los fans se sienten forzados a comprar y al no poder hacerlo se frustran y dejan de seguir sus títulos habituales. En su lugar se concentra en eventos más pequeños, que se concentran en el nicho que sigue a cada personaje o franquicia. Pero sólopuedesvenderminiseries y resucitar al Capitán América un número máximo de veces.
Todo bonito, ¿pero hasta cuándo pensaban que iba a durar?
Que Disney haya comprado a Marvel significa, primero, que Bob Iger y compañía, que no son tontos ni tampoco son Google (los compradores compulsivos del mundo corporativo), reconocen el potencial de las propiedades de la Casa de las Ideas. La secuencia de pensamiento más clara vendría a ser: si Feige ha logrado ensamblar como independientes una película sobre un héroe que, con todos sus años, lo conocían nomás en su barrio, y a partir de una buena caracterización logró que Iron Man funcionara y se convirtiera en un personaje bandera, además de tener programadas películas anticipadísimas a su cargo de aquí al 2012, hay un montón de potencial por explotar: licencias de películas, series, merchandising, algún cruce con Pixar. Y mientras la línea impresa de Marvel mantenga la base de lectores que los ha puesto de vuelta a la cima en poco menos de una década, el Club de Mickey Mouse no va a tener motivo para meter sus manos enguantadas en los rifles del Punisher o las garras de Wolverine.
Además, algunos de los daños que Disney podría hacer serían redundantes. Marvel ha estado 70 años en el negocio. ¿Les conté que casi quiebra?
En segundo lugar, Joe Quesada y Dan Buckley saben que el éxito no les va a durar para siempre. Como bien dicen, Marvel es el líder actual de la industria, no del mercado. Si la economía aprieta más, no van a poder compensar las bajas en publicidad y ejemplares vendidos (por más cuota de mercado que tengan) y acabarían canibalizando a sus otras líneas. Para una empresa que empieza a diversificarse en un momento duro, es bueno estar bajo el ala de un conglomerado que abarca una variedad de ramas de entretenimiento. En cuanto a libertad creativa, Disney ya ha sabido manejar marcas no necesariamente orientadas a la familia, como las películas de Kevin Smith que distribuye Miramax (excepto por Dogma, que acabó cedida a LionsGate) o programas de la ABC como Ellen (como en Ellen Degeneres), que atrajeron las quejas de grupos conservadores cristianos. La verdadera perla negra de Walt Disney Pictures, Piratas del Caribe, es el mejor argumento a favor, al menos, de darles el beneficio de la duda en el futuro fílmico de Thor, Capitán América, y Vengadores.
No es exactamente el comienzo de La Sirenita.
Los que sí la vamos a ver negra somos los que hemos dependido de los amigos torrenciales para seguirle la pista al Universo Marvel. Creo que Disney tiene el poder para hacer presión y empezar a desaparecer el lado informal en preparación a alguna campaña agresiva de cómics digitales. Así que, aunque la noticia trae mucho optimismo y razones de sobra para que las cosas salgan bien para todos, no hay que olvidar que detrás de nuestro amigable vecino, el Hombre Araña, hay alguien vigilando y manejando los hilos en silencio. Como quien dice, su Tony Stark en plena Civil War.
Hoy posteo casi al final del día porque me he pasado la mayor parte de mi tiempo libre en tratar de resolver este acertijo. Primero el antecedente: la revista cinematográfica británica Empire, que vio la luz por primera vez en julio de 1989 y es considerada la publicación más importante en su rubro en Gran Bretaña, celebra su vigésimo aniversario, y como una forma de poner a prueba el bagaje cinéfilo (o peliculero, si quieren) de sus lectores y cualquier otra criatura que los encuentre por la red, ha lanzado una imagen a manera de juego en Flash donde aparecen 50 referencias a películas, que uno puede ir señalando y marcando en varias sesiones. Yo ya llevo 33, y sigo sin entender el tren con sarampión.
Para los que tienen buena memoria, recordarán un puzzle similar en la página de M&M’s sobre 50 películas «oscuras», como promoción para su línea de chocolate negro, y el poster de Virgin con referencias a más de 75 bandas o músicos de la disquera (algunas páginas llegan a 83).
Este lunes, LUNES, ¡LUUUNES! 25 de mayo, como se viene haciendo desde el 2006, celebramos el Día del Orgullo Friki. Ahora, mientras el movimiento oficial en español tiene una movida que al parecer no ha repercutido mucho en la cholósfera (aparte de tener otras preocupaciones como la gripe de los tres chanchitos y eso de la crisis económica), igual hay que ponerse la camiseta y celebrar como los primeros cristianos, en cuevas y haciendo misa de a dos. Por eso esta vez, como buen friki, tomaré el camino fácil que aparente que trabajé y diré que este es un post dedicado a la iconografía friki. Por eso, este 25 de mayo, ¡¡¡84 IMÁGENES FRIKIS!!! 42 x2. Para ti, para tu mamá, tu papá, la mascota, la trampa de tu cuñado y el vecino.
No es exhaustivo, no está completo, no es absoluto ni refinitivo. Pero son 81, que es un huevo. Listo. Me voy a dormir.
Rapidito. En dos semanas (6/3/9) tenemos Watchmen. Como va toda la información filtrada y spoilerosa (si la gente se leyó la novela gráfica no debería temer los spoilers, el gusto está en el cómo, según Umberto Eco*).
El plan de contingencia, ya sea para poner la cereza en la torta o quitarnos el mal sabor, será Wolverine, que ha tenido un par de escenas re-grabadas para darle un poquito más de salvajada. Wolverine pide salvajada, Hulk vs. Wolverine lo demuestra, y eso es sólo animación. Aquí los trailers, presentando oficialmente en sociedad a Jaimito Howlett y sus garras.
*En un ensayo sobre la estructura narrativa de Ian Fleming y las novelas de James Bond que estudié en Teoría de la Comunicación y me es en este momento absolutamente imposible de encontrar en línea para linkear.
Me encontré, gracias al Tumblr de Matt Fraction (autor de Casanova), con Noirvember, una iniciativa que se remonta al 2010 para ver una película de film noir (literalmente, «cine negro») cada día de Noviembre. Lo cual me pareció genial como excusa para ver muchas, muchas películas noir, además de ser un poco más digno en el corto plazo que Movember.
El blog de Oscar Gallo 